2026年6月9日上午，“云间·境象”2026上海小幅中国画作品展学术座谈会在人文松江活动中心召开。中国美术家协会理论与策展艺委会主任尚辉，上海市美术家协会中国画艺委会主任毛冬华、副主任洪健，委员白璎、丁蓓莉、胡炜、倪巍，上海市美术家协会理论与策展艺委会委员马琳、张长虹，程十发艺术馆副馆长陈浩，上海大学上海美术学院教授傅慧敏，上海应用技术大学艺术与设计学院副教授单博等美术理论界专家学者、艺术家齐聚一堂，围绕小幅中国画的当代价值、笔墨传承、创新探索、时代发展等议题，从传统文脉、创作现状、审美内涵、技术冲击等多个维度展开深度研讨。座谈会由毛冬华主持。（以现场发言先后为序）
毛冬华表示，上海美协中国画艺委会自2024年换届以来，提出并落实海派中国画三年发展规划，此次重启小幅中国画作品展正是其中一项重要工作。展览区别于传统“小品展”偏重怡情赏玩的定位，计划通过两年一届的持续举办，将其打造为海派中国画题材、语言、材料与形式探索的专属实验场，鼓励艺术家打破固有创作思维，在坚守笔墨根本的前提下大胆突破。她谈到，在视觉爆炸的当下，小幅中国画搭建起人与作品近距离对话的桥梁，这对画家笔墨功底提出了严苛的要求，也激发了业界对当代海派中国画创作生态的深度思考。她指出，本次展览中“相当一部分作品还是以能够入选为目的，探索的步子迈得不够大，我们希望通过两三届的连续举办把共识‘打’出来，不是说一定要画的很完整的漂亮画才能入选，我们希望能够有突破点。”
尚辉指出，当前在大型画展的引导下逐渐形成了固定创作模式，不少创作者片面追求画作第一眼的视觉冲击力，却忽略了中国画“内观、修心、笔精墨妙”的核心本质，从这个角度来看，本次展览限定作品尺寸十分必要，就是要让作品在有限尺幅里承载最大化的笔墨内涵与文化底蕴，回归传统内核。他强调，中国画的高妙之处正在于“似像非像”，笔墨不只是绘画语言，一笔一划还承载着艺术家的境界、品格、学问、思想，长年积淀的功力与火候，而这些核心根本正是我们应该要坚守的。他提出，中国画是内觉文化，其所讲求的秀雅、苍茫等审美特质，无法单纯依靠科学/外观视觉来呈现，这也是西方学者难以解读这类审美内涵的原因。他谈到，松江作为董其昌文人画思想的发源地，在这里兴起的“南北宗论”与笔墨语言探索，至今仍极具借鉴意义。“以董其昌为代表的先贤，注重某些抽象元素的提取，但是这个抽象元素还要和笔墨有机的结合，这种把形式语言和笔墨完全糅合在一起的实践，是对我们今天的创作仍然有启发意义的重要方面。”他建议，展览要长期坚持、持续深耕，让“小幅”与松江形成文化勾连，打造成为具有全国影响力的艺术品牌，为当代中国画的守正创新发挥积极的推动作用。
张长虹从中国画观看模式的近代转型切入，梳理了从古至今尺幅变化、展厅环境对创作带来的影响。他谈到，传统小幅作品如册页、手卷都是以案头把玩、近距离细赏为主，而现代展厅催生了大尺幅创作，“原有的笔精墨妙就要在构图上做调整，吴昌硕、齐白石、潘天寿都是在视觉上做实验的时候获得了成功。”如今重新回归小幅创作，势必要求画家在构图、色彩上重新做调整，这也是展览的创意和学术价值。他同时谈及AI技术对艺术领域的影响，认为AI可作为辅助工具，但无法替代艺术家个人的创意。他说，“艺术创作一直强调‘我手写我心’，我们讲黄宾虹的每一件作品，每一根线条都是踏踏实实的；齐白石无论画一个板凳还是算盘，我们都能感觉到他在；徐悲鸿的奔马图，山河百战归民主，铲尽崎岖大道平，又有他的境界在。”画作不能只停留在描摹生活，还要融入创作者对生活、时代的思考，才能拥有打动人心的力量。
陈浩结合松江本土书画文脉解读本次展览内涵，他表示，“‘云间’在江南文化的脉络中代表了一种人文精神，这种精神和元代以及明代松江画派的集体建构的文人画体系。‘境像’则体现了当代视角下的古今对外、内心独白、自省反思后的图像化呈现，它是一种对比与转化。‘小幅’创作延续了文人画无功利、重内省的特质。”他提出，在全球化、城市化、工业化、智能化的时代，海派中国画需坚守诗意、写意、思辨、趣味四大要素，做到既兼顾传统的审美诉求，又要表达当下的时代情绪与审美关照。关于如何探寻中国画的未来走向问题，他认为，需要立足城市人文精神的发展脉络，从城市建筑森林、到城市园林，再到城市山林的逐层精神回归，完成笔墨语言的当代转化。
傅慧敏聚焦小幅作品向大尺幅创作转化的议题，提出二者并非简单的尺寸放大，需要完成气息、笔墨密度、观看视角的多重调整，在保留灵动气韵的同时，规避大画空洞化问题，“在细节品位之间找到一个新的平衡”。她认为AI是时代发展的必然产物，可以作为我们提炼笔墨语言和构图形式的辅助工具，“艺术的创作，还是需要我们人，绘画是身体的运动，AI工具是永远代替不了的。”
马琳谈到，“从二十世纪八十年代到现在，我们可以看到对于中国画的讨论一直是随着时代的发展在变迁。对于我来说，更愿意把传统的笔墨理解为一种活的传统，是一种可以被不断激活，被转化，被转译，被重新书写的一种文化方法。”她提出，当代艺术家要在传承精神与当代经验之间寻找到新的平衡点，让笔墨承载时代精神。对于AI技术，她主张将其作为创作方法而非最终结果，借力新技术拓宽传统水墨的边界。“艺术家如果能够把AI作为一种方法，而不是一种作为结果本身，那么它确实是可以成为笔墨创新的重要契机。”关于小幅作品向大作品拓展的可能性问题，她认为，小幅作品是创作实验的优质载体，凝练着创作者最敏锐的艺术感知，既能成为独立的艺术表达，也可作为大型创作的灵感起点。“不管大小，真正重要的是艺术家如何在传统笔墨、当代视觉和个人创造之间建立新的关系。”
洪健结合一线创作实践谈道，“我们在平时的创作当中，相对来说对大作品的重视度比较高，大部分的精力都集中在大幅创作上。这次换个思路，做一些小幅作品的实验或者探索，对于大型创作的经验积累或者探索，还是非常有实际意义的。”关于展览，他认为题材内容手法都很丰富，但也存在部分艺术家因看重入选结果，创作偏于保守，探索性不足的问题。他鼓励艺术家通过展览，大胆尝试一些“平时没做过的、实验性的”创作，实验成果既能反哺大型创作，也能让展览氛围更加生动活跃。
单博从跨画种视角分析，认为AI大模型对风格语言的融合，不断拓展了当下中国画语言的创新边界，“如何在技术赋能大趋势下保持中国画本体独体性，是我们现在一个非常重要的课题。他认为，AI作为一种科技语言经过不断完善趋向完美，而人类创作自带不完美，“在这种创作的形式日趋精美完整的情况下，利用小幅的限制性，强化它的实验性甚至是不完整性，来突出人性和精神性的存在，这样才能充分挖掘出小幅中国画作品展独特价值所在。”
白璎结合松江采风、评展经历表示，松江深厚的历史底蕴与本次展览高度契合，希望这一品牌持续落地本地。他认为，本次小幅作品展尺幅适配内容表达，不少作品兼具实验性与拓展性，集中呈现了上海老中青三代艺术家在小幅绘画领域持续探索的成果，但在材料运用、地域风格标识上仍有探讨空间。他建议，评审环节应对手法尚不成熟、存在瑕疵，但具备探索价值的实验性作品予以更多包容和鼓励。针对国画创作中影像元素的广泛介入，建议学界在应用边界与艺术价值等方面做更深入的研究。同时立足上海都市特质，建议深耕城市题材、打造都市美术特色，认为这是海派绘画形成差异化风格、实现创新突破的重要路径。
丁蓓莉立足东方智慧，提出当代国画创作不必盲从西方审美，要深挖本土文化内核，发出属于中国画的声音。她谈到，当下世界环境动荡、过度发展乱象频发，很多所谓的时代进步，实则是文明的退步。根植于东方的传统智慧、人文哲理与自然观，主张人与自然共生共存，是恒久不变的价值内核，能够真正滋养世界、改善生态，远比单一的西方发展模式更具先进性。她认为，此次小幅展览虽然规模不大，却是我们传递东方艺术智慧，展现中国艺术独有的时代价值与精神内核的重要契机。
胡炜剖析了传统文人画无功利心性与当下展览功利性的矛盾，“所谓功利性，指的是站在画家自身的立场在对待创作，还是站在观众的立场对待创作。当你站在观众的立场，就是以视觉呈现，抓眼球作为追求的目标，这与文人笔墨的反对功利性是一个最根本的矛盾。”他还指出，“西方艺术依托数理、解剖等外在视觉体系，侧重外像表达，极易被AI技术冲击。而中国画是以内像心性为核心的艺术创作，笔墨语言具有独特的具身性，与AI离身性的创作模式截然不同，具备不可替代的价值。”他认为，西方现当代艺术深受东方艺术滋养，“虽然它的材料不是宣纸，不是水墨，但我们看到大量抽象的、表现主义的作品，都受到过东方艺术的影响。”
倪巍认为小幅创作更注重笔墨“生发”的过程，“是基于主观自觉的人和材料的动态关系，关注的是过程和结果的关系，非常强调当下性。”他认为，创新正源于创作当下的一笔一抹，“来源于你的行动，我称为微观创新，不是一眼就能看出来的创新，是生发出来的一种东西，就像生命体一样，随着时间推进慢慢积累”。他谈到，当代创作者需要重新认知笔墨的内涵，“笔墨不是实指，即一定是用毛笔画在宣纸上。笔墨是人与所有材料的关系，这个材料包括你的肉体，包括采用的素材和外在的环境，是你处理自身与所有材料之间关系的动态过程。”他指出，“材料随时在变，外在所有的一切环境都在变，唯一不变的，就是我们作为绘画的本体性。任何时代，一定是要保持本体性。”
“云间·境象”2026上海小幅中国画作品展是由上海市美术家协会、上海市松江区文化和旅游局，人文松江活动中心主办，上海市美术家协会中国画艺委会承办，松江区美术家协会协办。展览秉持研究型、探索性的基本定位，鼓励艺术家在传承传统笔墨精髓的基础上，立足小幅中国画轻松灵动的特质，突破创作边界、革新艺术语言，全方位探索传统笔墨在当代语境下的表达可能。未来，将通过与上海中国画作品展的深度链接，不断凝聚创作共识，为中青年艺术家找准创作发力点，推动海派中国画创作从个体探索走向集体自觉。
